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Revue de presse
On croyait tout savoir sur le blues. Les livres somme sur ses origines, son revival British, ou toutes ses “vraies” filiations, garnissent nos bibliothèques, on avait même nos certitudes. Mais voilà qu’Éric Doidy ouvre les vannes de sa connaissance et sa passion, et fait bouger les lignes. Oui, le blues-rock, c’est le blues, oui le blues est aussi blanc et à la peau rouge. Le sociologue chercheur à l’INRA de Dijon, chroniqueur à Soulmag, nous propose de prendre la route avec lui.
Buried Alive in the blues est un livre-documentaire vivant qui nous amène à découvrir ces musiciens blancs américains qui ont nourri le blues aux côtés de leurs pères spirituels noirs, à partir de la fin de la seconde guerre mondiale et aujourd’hui encore. Issus de tous horizons ils ont œuvré naturellement, sans chercher ni à reproduire, ni à imiter, mais en vivant la musique. De Chicago au Texas, en passant par la côte Est et les régions des plaines, le blues-rock a tracé la route. L’ouvrage nous fait voir et entendre les paysages urbains, les contextes sociologiques et politiques, les grandes et les petites histoires. Ça fourmille d’informations discographiques, géographiques et l’on s’y perdrait presque si l’auteur ne savait nous ramener à l’essentiel : les témoignages de Boomfield, Derek Trucks, Johnny Winter et des dizaines d’autres musiciens.
Éric Doidy n’est pas donneur de leçon, il ne théorise pas, il raconte. Érudit, certes, il préfère laisser parler les musiciens qu’il a rencontrés ces dernières décennies, lors de ses voyages aux USA et sur des concerts et festivals en France et dans le monde. Et l’envie nous prend de tout (ré)écouter.
Éric Doidy was born in 1974 in France. Since 1997, he writes in the French magazine Soul Bag, founded in 1968 and dedicated to blues, soul music, gospel and zydeco. For Soul Bag, he interviewed many of his musical heroes. Based on fifty of these interviews, his first book, Buried Alive In The Blues – The History of American Rock Blues (France 2018, Le Mot Et Le Rest), tells the story of American blues rock. Eric Doidy is also a sociologist working for the French National Institute of Agricultural Research. His work on social movements and the contemporary “back to the land” movement is published in several major academic journals in the French language.
French blues fan and writer Eric Doidy delves into the roots of American blues rock, which, unlike its English side, has matured in contact with African-American culture and accompanied the struggle for civil rights. In the early 1960s, a new generation of American musicians collected the legacy of the great masters of the blues. Paul Butterfield in Chicago, Johnny Winter in Texas and many others are creating music that goes far in the roots of rhythm n’ blues to meet the aspirations of a youth who discovers rock. Mature in the marginality of the ghettos, this electrifying sound engulfs America: in Newport with Bob Dylan, San Francisco or Woodstock, it nourishes deeply the libertarian upheaval of the time. Following the emergence and evolution of this American blues rock, this book allows to understand the collective invention of a blues which, unlike that of the English of the same period, is not white but mixed, thus preserving today both its subversives and its relevance.
Interview by Michael Limnios
What do you learn about yourself from the blues people and culture and what does the blues mean to you?
I am in awe in front people like Muddy Waters, B.B. King or John Lee Hooker, who achieved so much in their lifetime although they were born in the wrong place, at the wrong time. As Elvin Bishop told me, blues is like recycling all the bad stuff that happens to you to produce something that makes you feel good. Blues is about life, it makes people get together and dance. I believe it is one of mankind’s greatest art form. Writing on the blues is not my job – I’m an academic doing research in Sociology on totally different issues (such as farming, the “back-to-the land” movements and US war veterans). But listening to the blues since I was a teenager, meeting its people, going to concerts or juke-joints, sure helped me a lot in my work – the blues teaches you to love genuine people and understand what they go through.
How started the thought of your book: Buried alive in the blues: L’histoire du blues rock Américain?
This book is my first one, but I started writing for the French magazine Soul Bag twenty years ago (I’m 44). The first blues artists I ever interviewed are Corky Siegel, Mighty Joe Young, Jimmy Dawkins and Junior Kimbrough, in the fall of 1997 during my first trip to Chicago and to Mississippi. Since then, I never really stopped making interviews with artists I had the opportunity to meet, from blues originators like John Lee Hooker to soul-blues artists of the new generation like JJ Thames, from gospel singer Clarence Fountain of the Blind Boys of Alabama to Irish rocker Gary Moore. But I never really bothered to really use them to make books. I always felt everything had been said better than I could ever by authors such as Peter Guralnick, Bill Ferris, David Evans or, in France, Gérard Herzhaft. By nature, I’m also interested in a lot of different things so I didn’t want to focus all my work on the blues – especially since I am not myself a musician. I would feel quite uncomfortable being a “blues scholar” and make a career thanks to the blues, while so many blues musicians could never make a penny themselves. I just consider myself a blues fan, using Soul Bag to share my enthusiasm with readers.
But over the years, I began to feel something was missing in the picture: people always talk about the Rolling Stones, Eric Clapton and the British blues of the 1960’s, but names like Paul Butterfield or Michael Bloomfield were slowly forgotten, as well as where their music came from, and the life experience or the feeling it carried at the first place. For example, I thought that the young fans who are currently discovering Charlie Musselwhite through his collaboration with Ben Harper needed to know who Charlie was, where he came from and what makes this collaboration so meaningful. I began to think of a book where Charlie’s story is told, as well as Bloomfield’s, Butterfield’s, Johnny Winter’s or Jimmie Vaughan’s and so on. Unlike its British counterpart, American blues rock can not be reduced to “white blues”: these musicians were more closely immersed in African-American culture, and the bands were mixed. I also felt the need to show how their legacy lives on, with contemporary artists who deserve to be acknowledged for what they are achieving, like Derek Trucks or Sue Foley. So I ended up saying to myself that I could write this book. But I would never have done it if the French publisher Le Mot et le reste, from Marseille, had not turned out to be interested in it. I consider their catalogue as the best collection of books about music in the French language, so I was overwhelmed to receive their support. I borrowed the title from the song Nick Gravenites wrote for Janis Joplin. Nick Gravenites is a great artist and songwriter and his songs, such as this one or “Born in Chicago” (the opener of the first Butterfield Blues Band album) represent his generation.
How has the Blues Rock and Counterculture influenced your views of the world and the journeys you’ve taken?
They help us realize nothing in life can ever be taken for granted. It is always a struggle. Today, people have to work underpaid jobs, face an ecological crisis and a resurgence of bigotry and even fascism… The blues is still a relevant music today, because it is the music of the blues-collar, hard-working people and of the outcast.
Which interviews have been the most important experiences? Are there any memories which you’d like to share?
It is a tough question to answer: each interview was special to me and all these artists are unique characters. I feel blessed because, each time I talked with someone, it made me feel like I had learnt something new. Blues musicians are clever people, with a high sense of humor, sometimes more clever than most fellow academics I meet during international conferences. Which should not be a surprise: playing the blues with a feeling requires a deep understanding of life and of people. So, every artist I met helped me to grow and I hope this book achieves to pass that on to the reader. On a personal side, I feel extremely lucky to have met Junior Kimbrough and David Caldwell at AikeiPro’s Record Shop in Holly Springs, Mississippi – Junior’s music is incredible and I am glad his sons are carrying on. I also enjoyed talking about gardening and cooking with Elvin Bishop, who is possibly the nicest fellow on Earth and, in 2014, being able to invite him and his incredible band to perform in France for the first time ever. Another life-changing experience was to meet Barbara Dane in Berkeley. She shared some compelling memories and thoughts. She is an inspiring artist, a powerful human being and I wish there were more people like her on Earth.
What do you miss most nowadays from the blues of past? What are your hopes and fears for the future of?
I miss so much artists I was extremely lucky to see: Luther Allison, B.B. King, Clarence Gatemouth Brown, Otis Clay, R.L. Burnside, Honeyboy Edwards or Candye Kane… So I primarily miss good people like them (so the question would be “who” do you miss, and not “what”). I’m not trying to pretend that I was close to them or knew them on a personal level. But, as everyone who attended so many of their shows throughout the years, I think of them as familiar figures and I was hurt every time one of them passed away. Blues musicians of this kind had a special relationship with their audience. And they were truly unique individuals who carved their own style: you could identify them from the first notes. So maybe that’s “what” I miss: sometimes I don’t think the blues or rock music of today have that many unique individuals anymore. But then I listen to contemporary artists like Derek Trucks, Shemekia Copeland, Corey Dennison, Selwyn Birchwood, Robert Randolph or Mr. Sipp, for example, and they are truly unique individuals who will leave their own mark on music. So my hope is that musicians of such caliber continue to flourish.
If you could change one thing in the musical world and it would become a reality, what would that be?
I wish the music industry had given blues musicians what they deserved. Most of them died in poverty while their music made the fame and fortune of others. And I do wish that Magic Sam had not died that young.
Make an account of the case of the blues in France. Which is the most interesting period in local blues scene?
Oh, the blues is very much alive and well in France. In the past, several American blues musicians chose to settle in France, such as Mickey Baker, Luther Allison or Screamin’ Jay Hawkins. Here, they tutored French musicians, among whom the originators of what can be described as a specific “French” style of blues – I’m thinking of artists like guitarist Patrick Verbeke and harp player Benoit Blue Boy. These artists, who matured in the 1970’s and 1980’s, created their own brand of music, different from French pop because they were so deeply rooted in the blues, but at the same time different from the blues because they were singing in French with lyrics addressing issues of the life they were living (listen to the 1992 “Blues and ladies” album of Patrick Verbeke for example). Today, Steve Verbeke (Patrick’s son and musically influenced by Benoit) is carrying on and singing the blues in the French language. Although they sing in English, Nico Duportal and his Rhythm Dudes also come from there. Nico is a great guitar slinger (he’s featured on one of the Mannish Boys albums for the Delta Groove label alongside Kid Ramos) and his band rocks. Their albums “Guitar player” and “Dealing with my blues” are delightful.
There is also Tia Gouttebel, a very talented female guitar player and singer with a deep understanding of the blues, who also creates something new although she sings in English. She’s got great records under her own name (such as the “Lil’ bird” CD) and she’s also fronting a band called Hypnotic Wheels, mixing the Mississippi blues with French folk tradition, using an old instrument from the Middle Ages called the “huddy gurdy”. The huddy gurdy produces a drone sound that blends perfectly with the electric guitar riffs of the Hill country blues. Check out their latest effort “Muddy Gurdy” on the Vizztone label (2017) recorded in Mississippi and featuring guest musicians such as Cedric Burnside or Cameron Kimbrough: really powerful stuff! I also love artists like Roland Tchakounte, Abou Diarra or Pedro Kouyate who create something deep by blending blues influences and Western African musical inspiration.
What is the impact of Blues and Rock music and culture on the racial, political and socio-cultural implications?
I once asked B.B. King if he thought he played a role in making things change in the United States, especially for African-American citizens. He told me that he certainly hoped so but he couldn’t tell. He told me that what he was certain of, is that his music enabled him to pay the registration fees of the University for his grandchildren. One of them just received his degree in engineering, and B.B. was very proud of him. Blues musicians of his generation, and black people of his generation, seldom had the opportunity to even learn to read and write. So, his answer was at first sight very humble (as always with B.B.) but, if you really think about it, it was a very subtle and thoughtful. Bluesmen are generally not spokesmen nor activists. They do not need to, because blues itself is about life as it is. And B.B., in particular, never turned down anybody. Although he had to go through a world of violence (considering when and where he was born), he always appeared generous and extremely kind to everybody. So blues is also about making people come together. Charlie Musselwhite told me that when he met President Obama, he told him “I worked for you all my life”, which in a sense is very true and, once again, quite thoughtful.
Let’s take a trip with a time machine, so where and why would you really want to go for a whole day?
Although I’m in awe when I hear pre-war blues records, I certainly would not want to go hear Charley Patton or Robert Johnson in Mississippi. It was a world full of violence, misery and racism of the worst kind, and I would not get out of this day alive. It’s a good thing it belongs to the past, although I’m not certain we’re totally out of it. So maybe I’d take a trip to the 1960’s, when people realized that they could make this world a better world. I’d go to Chicago or San Francisco. I’d love to make friends with Bloomfield, Magic Sam, Duane Allman or Alan Wilson… Well, it’s still possible these days to visit Bob Koester at Bob’s Jazz & Blues Mart in Chicago, and that itself is like a trip with a time machine!
How you would spend a day with Hendrix? What would you say to Janis? What would you like to ask Leadbelly?
A day with Hendrix: smoking in a room with good records to listen to, a guitar not too far and maybe a few girlfriends of his. Hendrix was a musical genius, but he also seemed to be such a nice fellow… Janis Joplin? I would tell her how beautiful she is. She never knew and that is so sad. And Lead Belly… I think the real reason why he got his nickname remains a mistery. But he wouldn’t tell me. So I’d probably ask him his opinion on the musical scene of today. We would have plenty to laugh over a pint of whisky.
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Eric Doidy était l’invité de Judaïques FM dimanche 27 mai.
54 minutes 36 d’échange entre David Taugis et l’auteur.
Pour (ré)écouter cette émission cliquez ici et cliquez sur “Dim. 27 Mai – 21:03 – Rockoscopie”.
Le blues. Cette musique issue de la culture des opprimés, des noirs Américains, était un moyen de rendre l’invivable plus supportable. À travers le chant, la musique, le rythme, ces hommes et ces femmes victimes de la ségrégation, du racisme à l’époque banal et ordinaire, s’évadaient de leur condition.
S’il fut remis à l’ordre du jour grâce à l’aide de jeunes Britanniques (Beatles et Stones en tête), le blues, musique de parias en son propre pays, continua d’exister et d’évoluer, passant à l’électricité et devenant ainsi le blues rock. Avec Buried alive in the Blues, l’histoire du blues rock Américain (aux Éditions Le mot et le reste), Éric Doidy revient sur son histoire.
À peu de chose près, Éric Doidy emboîte le pas à Alan Lomax. Comme ce dernier, Éric Doidy est passionné, chercheur, sociologue. Il retrace l’évolution du blues rock à partir des années 60 (en gros) à nos jours. Qui dit ouvrage de passionné sous-entend parfois pénible à lire, ce qui n’est pas la cas dans ce Buried Alive in The Blues certes bourré de références et dates qui parfois en ralentissent un peu la lecture, mais qui apparaissent nécessaire notamment quand l’auteur compare des évolutions musicales en parallèle suivant les lieux géographique où elles se produisent.
Dans ce bouquin, outre les « légendes » du blues « traditionnel » (telles Muddy Waters, Robert Johnson, John Lee Hooker, Willie Dixon…), nous retrouvons toute leur descendance (de Charlie Musselwhite à Johnny Winter, en passant par Elvin Bishop, Stevie Ray Vaughan , Buddy Guy, Derek Truck…). Tous ceux-ci ont le blues dans la peau, le feu au bout des 6 cordes de leur guitares, mais surtout ont appris cette musique au contact des premiers.
Parce que la virtuosité seule ne fait pas le son « blues », comme le décrit bien Éric Doidy. Certains ont vu dans la surenchère technique le point de fuite de cette musique, mais en ont oublié l’essence. Ces grands noms cités ci-dessus, blancs de peau comme noirs, ont appris dans les bars, dans les juke-point, sur scène, avec patience, avec respect, avec résolution, auprès de magiques aînés aussi bien professeurs qu’élèves.
Buried Alive…, nous montre également que cet art a résisté à toute les vagues musicales grâce à la transmission des aînés, grâce à l’envie d’apprendre des plus jeunes, mais qu’aujourd’hui il se meurt, inexorablement, à mesure que s’éteignent avec lui ses plus prestigieux représentants. Cette mort est également le fait de l’industrie musicale qui ne voulaient voir en cette musique que des chiffres de vente, pas un bagage culturel fort devant se transmettre de façon spontanée.
Pourtant, l’esprit demeure, contre vents et marées, et de jeunes pousses s’y frottent avec application. L’essence perdure, continue à se transmettre et voit de plus en plus de femmes reprendre le flambeau. Peut-être, si nous nous référons aux mouvements Metoo et consorts, que ces dames ressentent ce que vivaient les populations maltraitées du début du vingtième siècles, leur donnant une légitimité accrue et pertinente.
Comme quoi, quand parfois les mentalités évoluent dans un sens, elles stagnent dans l’autre.
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J’avoue être toujours un peu hésitant avant d’investir dans des bouquins sur la musique, surtout celle que j’aime. Ainsi le bouquin de Bertrand Bouard sur Lynyrd Skynyrd regorge d’erreurs et évoque plus les frasques des musiciens que leur musique.
Sauf qu’Eric Doidy écrit dans Soul Bag et le magazine est une vraie bible (pourtant j’écris chez un concurrent, mais il faut reconnaître le talent).
Et puis l’interview réalisée par Jipes dans son émission de radio sur MNE m’a convaincu.
Donc c’est un excellent bouquin qui démarre avec Charlie Musselwhite et qui fait qu’on a du mal à en lâcher la lecture.
Des extraits d’interviews, une place importante donnée (enfin) aux musiciens blancs américains comme Mike Bloomfield, Paul Butterfield, Nick Gravenites, qui remettent à leur place certains stéréotypes qui laissent croire que ce sont les Anglais qui ont tout fait.
Et de longues pages consacrées au Texas, à la scène musicale d’Austin, à la Californie du flower power qui remet en perspective la programmation de Bill Graham par exemple.
Et puis j’ai appris des trucs. ! Comme le CD de The Word avec Robert Randolph et les frères Dickinson, ou que JJ Cale avait produit des albums de John Hammond Jr.
L’auteur évoque aussi longuement la relève Marcus King, Coney Dennison, et consacre de longues pages au plus doué de tous Derek Trucks.
Bref le genre de bouquin à lire, à garder aussi à proximité pour y chercher des informations.
En forme de boutade, (ben oui) un oubli : Buddy Whittington, le texan qui a joué longtemps avec John Mayall et qui a sorti quelques albums solos de haut niveau.
Enfin, un regret, dommage que la liste des albums évoqués tout au long du bouquin ne figure pas en annexe.
Fortement conseillé, indispensable même !
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Johnny nous l’a assez répété en son temps « Tout vient du blues » Et en particulier, l’ensemble des musiques rythmées comme le rhythm’n’blues ou le rock’n’roll qui lui doivent à peu près tout. Les mains noires qui furent les figures tutélaires de cette musique à la fois mélancolique et incandescente ont pour nom Muddy Waters, Bo Diddley ou Howlin’Wolf entre autres.
Au début des années soixante se constitua une phalange informelle de jeunes guitaristes blancs électrisés par Elvis Presley dont ils n’ignoraient pas les références. Charlie Musselwhite, Elvin Bishop et Paul Butterfield, tous issus des quartiers chics, reprirent le flambeau que B.B. King ou John Lee Hooker semblaient de guerre lasse avoir abandonné. Ces trois mousquetaires trouvèrent avec Michael Bloomfield – surement le plus doué des quatre – leur D’Artagnan. Dès lors, le blues, auquel tout quatre payaient leur dette, sorti du ghetto et se mit à intéresser un public blanc qui l’avait jusque-là négligé d’autant que nombre de groupes mixtes faisaient leur apparition jetant un éclairage radicalement nouveau sur cette musique « d’esclave » en reprenant des titres de Jimmy Reed, Freddie King ou Chuck Berry et glissant du blues traditionnel au blues rock. Tout se précipitera quand Al Kooper – autre instrumentiste de talent – et Michael Bloomfield croiseront la route de Bob Dylan, la star folk du moment qui n’hésitera pas malgré le dépit des fans de la première heure à électriser sa musique au festival de Newport en 1965. Le titre fondateur Like a Rolling Stone influencera durablement les groupes de la British Invasion et constituera le point d’orgue de ce crossover dans lequel les jeunes blancs allaient se reconnaître. Dans Buried Alive in the Blues (du titre de Janis Joplin dans Pearl) le musicologue et spécialiste du blues Eric Doidy remonte ainsi la chronologie d’une musique mutante née dans le Delta, popularisée à Chicago, matrice du rhythm’n’blues, et devenue dans les sixties le meilleur de la musique américaine sous l’appellation “blues rock”. C’est l’époque où les groupes poussent comme des champignons de Blue Cheer à Z.Z. Top en passant par les Allman Brothers. Dès lors, chacun sait que le blues est l’ingrédient séminal de ce son lourd et électrique mais c’est vers le rock que les formations se dirigent en masse répondant ainsi à l’attente des jeunes américains ivres de sensations fortes et de musiques musclées. Mais la mutation n’est pas achevée et l’Allman Brothers Band comme ses épigones vont désormais estampiller leur musique “rock sudiste” avec pour colocataires Lynyrd Skynyrd, Molly Hatchet ou Point Blank. Ces groupes aux sonorités hard rock qui remplissent les salles sont désormais loin du blues même si certaines de ces productions peuvent s’apparenter à une sorte de “heavy blues” comme l’avait ébauché John Mayall, Eric Clapton, Peter Green et Paul Kossoff au Royaume Uni. Un artiste, guitariste de génie et bluesman averti, mettra tout le monde d’accord en gardant les fondamentaux du blues et l’énergie du rock. Il s’agit de Johnny Winter, albinos tatoué né à Beaumont et copain de Janis, qui signera avec le live Johnny Winter And en 19710 l’album de référence du blues américain des seventies. Après ces années fastes, la première moitié des eighties sera pour le blues comme pour ses avatars un long chemin de croix où les synthétiseurs mirent à mal guitares et guitaristes. Pourtant, après le succès fugace de George Thorogood (qui ouvrit souvent pour les Stones), un prodige va bouleverser le monde de la musique et démontrer que le blues ne meurt jamais. Stevie Ray Vaughn, né à Dallas en 1954 va rétablir le blues dans ses droits et le replacer sur les podiums. Initiant des disques ébouriffants et solaires, participants aux sessions, concerts ou disques de vedettes telles que Jeff Beck, David Bowie ou Huey Lewis, SRV va devenir une des super stars de la guitare. Malheureusement, sa carrière promise aux plus hauts sommets sera brisée nette lors d’un accident d’hélicoptère en 1990. Stevie Ray Vaughn avait remis le blues sur les rails et dans les bacs des disquaires. A sa suite ou parallèlement, de nombreux talents émergèrent comme Jeff Healey, Steve Earle et surtout Robert Cray, afro américain né en 1953 en Géorgie, qui apparaitra un temps comme le sauveur du blues. De ce long parcours, il faut aussi retenir que l’éclosion de ce blues rock américain eut un effet positif sur les pionniers et anciens champions de la catégorie. Les carrières de Freddie King, Buddy Guy ou Luther Allison connurent ainsi un regain d’intérêt longtemps improbable. L’après Stevie Ray Vaughn fut difficile à négocier. Les majors, en effet, cherchaient à tout prix le nouveau génie sans y parvenir vraiment. Quelques noms émergèrent comme Bill Perry, Poppa Chubby, Michael Powers ou la sémillante Susan Tedeschi mais c’est bien avec l’arrivée de Joe Bonamassa né en 1977 à Utica que le blues rock trouva sa figure de proue et son nouvel ambassadeur. Joe Bonamassa est aujourd’hui l’héritier d’une longue filiation qu’Eric Doidy retrace dans cet ouvrage indispensable à qui pense encore que les Rolling Stones ne sont jamais meilleurs que, à l’instar de leur dernier opus, ils reviennent au blues. À l’essentiel.
Pour retrouver cet article en ligne
Dans cette émission :
Interview avec Eric Doidy autour de son livre Buried Alive In The Blues – L’histoire du Blues Rock américain (éd. Le Mot et le Reste)
Avec une sélection Blues Rock des années 60 à aujourd’hui dont trois titres choisis par Eric :
Nick Gravenites – Killing My Love
Jimmie Vaughan – Six strings down
Robert Randolph and The Family Band – Find A Way
Retrouvez aussi des extraits du nouvel album de Jimi Hendrix “Both Sides Of The Sky” composé de versions inédites, de raretés et d’un total inédit enregistrés entre 1968 et 1970.
À écouter sur : https://www.mixcloud.com/DrWax31/clarksdale-radio-show-2017–2018-6-blues-rock-jimi-hendrix/
Le premier album de Sue Foley, la chanteuse et guitariste de l’Ontario, avait provoqué un choc en 1992. The Ice Queen, le seizième, perce avec le printemps. Une tornade de blues.
Née dans une famille de la classe ouvrière d’Ottawa, où papa et les trois frères se piquent d’empoigner le manche, Sue Foley inaugure la première guitare à 13 ans. Monte sur une scène à 16. Tente sa chance à Vancouver. L’ambitieuse a 18 ans. Elle annonce la couleur d’autorité : “je vais jouer aussi bien que n’importe quel mec. Et certainement pas me cantonner à la guitare ryhmique !” Afin d’étrenner la production, la Canadienne n’hésite pas à descendre, à 21 ans, à Austin (Texas). Elle entame une résidence (très) longue durée chez Antone’s, le club ultra-référencé du blues. Sur place, elle découvre la technique de staccato à la main droite.
Eric Doidy, dans l’ouvrage définitif, inspiré, et fouillé sur l’histoire du blues rock américain (Buried Alive in the Blues – Editions Le Mot et le Reste), met en avant la précoce à propos du panorama des guitaristes américains. Il reprend la citation de Sue : “beaucoup commettent l’erreur de ne travailler que la dextérité et la rapidité à la main gauche. C’est dommage ! La clé réside dans la main droite”. A 24 ans, sur le label Antone’s Records, la bombe signe Young Girl Blues. Eric Doidy distingue “la voix canaille, les inflexions countrysantes, la gouaille digne de Memphis Minnie”. Et déjà – pour l’époque – la guitare étonnemment expressive.
Depuis, avec la six-cordes pink paisley Fender Telecaster achetée au Japon en 1987, «The Ice Queen» (surnom de la Miss) cuisine le blues à sa façon. Collaborations et premières parties laissent pantois. Sur scène, en after, sur disque, Sue compulse l’annuaire quasi-complet du blues vivant. Parmi l’élite : BB King, Buddy Guy, Van Morrison, Hubert Sumlin, Johnny Winter, Snooky Prior, Keb’ Mo’, Rufus Thomas, Koko Taylor, Albert Collins, Solomon Burke, Joe Cocker, Lowell Fulson, Duke Robillard, Nina Simone. On en écarte (manque de place). Entre 2011 et 2015, l’insoumise retourne à l’Université. Sue réfléchit à son art, mène à terme un projet pédagogique de réhabilitation des femmes dans le blues (Guitar Women). Un DVD retrace la recherche sur l’histoire de nombreuses guitaristes marquantes.
The Ice Queen, le seizième album sous son nom sort aux USA cet hiver, enregistré chez Antone’s. Trois légendes de la guitare texane épaulent Sue : Billy Gibbons (ZZ Top), Jimmie Vaughan (le frère de Stevie Ray), le slider émerite Charlie Sexton (Bob Dylan, Bruce Springsteen). La brochette maison nous projette au plafond. Ecoutez combien Come To Me; Fool’s Gold; ou Run, vous foncent dessus. Un camion de déménagement ne sonne pas moins costaud. Heureusement, l’abdomen amortit le contenu de l’album. Sue a composé l’intégralité. Mon choc de la rentrée ! Quelle intensité ! Le moindre titre, électrique ou acoustique, se déguste. A côté de la faste dégelée de blues, les chutes du Niagara passent pour la chiquenaude d’une giboulée de printemps. Sue, cinquante bougies en mars 2018, reprend la route. On doit au flair du manager du label français de blues Dixiefrog, l’emblématique Philippe Langlois, la distribution du disque en Europe, fin mars 2018. Croisons les doigts sur l’éventualité suivante : la briscarde pourrait venir secouer le Vieux continent cet été. L’hyper-sensible entretient un idéal tout en délicatesse. Déclaration : “j’ambitionne de devenir l’équivalente d’un Clarence “Gatemouth” Brown au féminin. Je veux jouer jusqu’à 75 ans. Prouver chaque soir que je suis une méchante guitariste. Méchante comme tout”. Noblesse du coeur oblige : accordons l’absolution – pour sa franchise – à la folie débridée du blues.
Bruno Pfeiffer
INTERVIEW SUE FOLEY :
Comment vous est venu le goût du blues ?
J’étais complètement folle des Rolling Stones. Je vivais tellement dedans que je me suis plongée dans les origines de leur art, pour découvrir les racines premières. Je suis naturellement tombée sur Jimmy Reed et Muddy Waters.
Quels sont les blues qui vous plaisaient le plus ?
L’intégralité du catalogue des frères Chess de Chicago (Illinois), à commencer par les blues de Muddy Waters.
Les figures qui vous ont marqué ?
J’ai eu le coup de foudre avec les guitaristes texans : Lightnin’ Hopkins, T-Bone Walker, Les Fabulous Thunderbirds.
Dans votre jeu, l’on relève les styles d’Earl Hooker et de «Gatemouth» Brown. Avez-vous approfondi leur art ?
Enormément. Je me suis gavée d’Earl Hooker : j’ai joué nombre de ses morceaux. Quant à Clarence «Gatemouth» Brown, jamais je n’aurais raté la moindre occasion de l’entendre. Une influence considérable.
D’où vient la façon d’attaquer les notes, comme si vous entamiez un round de boxe ?
La marque du blues texan. Très agressive, il faut reconnaître.
On associe votre parcours à la ville d’Austin. Or, vous êtes canadienne…
Ce que développaient les musiciens d’Austin dans les années 80 m’emballait. Tous les sons me plaisaient. Les manières de jouer d’Angela Strehli, de Lou Ann Barton, de Jimmie Vaughan et des Fabulous Thunderbirds… Je n’y ai pas résisté. Ces musiciens m’ont aspiré là en-bas.
Pourquoi ce surnom, « The Ice Queen » ?
Sans doute une allusion à mes origines. Vu du Texas, le lointain Canada paraît proche du Pôle Nord, en tous les cas très au Nord. Autre hypothèse : un titre du disque raconte l’histoire d’une fille surnommée The Ice Queen. Je l’ai écrit avec beaucoup de compassion. Les paroles sont très intimes : la fille livre ce qu’elle a sur le coeur. Dernier clin d’oeil, je joue sur le modèle de guitare électrique solid body Fender Telecaster. Le même modèle qu’Albert Collins, Texan également. Ce maître de la Telecaster m’a considérablement marquée. Collins était surnommé The Ice Man, son groupe Les Icebreakers (1)!
Pourquoi le choix d’une Telecaster ?
A l’époque, les stylistes confirmés optaient systématiquement pour la Stratocaster. Pour moi, la décision s’imposait : j’ai acheté une Telecaster, principalement à cause de Muddy Waters et d’Albert Collins, mes deux influences majeures. Le modèle de guitare m’a permis, finalement, de marquer une singularité.
L’apport des femmes dans le blues-rock semble sous-estimé (je pense à Joanna Connor, Laura Chavez, Deborah Coleman, Alice Stuart, etc.). Cela vous met-il en colère?
Il n’y a aucune raison de s’emporter. Les femmes du blues acquièrent déjà la reconnaissance durant leur carrière professionnelle. J’en suis l’incarnation vivante. J’ai fait mon trou grâce à mes compositions et au jeu de guitare. C’est devenu mon gagne-pain. J’en ai profité pour m’investir dans plusieurs initiatives. Par exemple, faire connaître les femmes extraordinaires du blues au grand public à travers le Guitar Women Project. Actuellement, je rédige une chronique mensuelle pour Guitar Player magazine, intitulée The Foley Files (2).
Propos recueillis (courriel) par Bruno Pfeiffer
1— Souvenir perso : un concert d’Albert Collins à Strasbourg (Bas-Rhin), en hiver 1980. Le premier bluesman que j’ai vu descendre parmi le public. Pour briser la glace, en effet, sans pareil, The Ice Man !
2— Littéralement : Les dossiers de Sue Foley
CD : Sue Foley, The Ice Queen, 2017 (Stony Plain Records/Dixiefrog)
LIVRE : Eric Doidy, Buried Alive in the Blues (L’histoire du blues rock américain – Editions LE MOT ET LE RESTE, 2018 – 352 pages : 23 euros). L’ouvrage passe en revue la nouvelle génération des musiciens qui recueillent et transcendent l’héritage des maîtres du blues. Grâce au sociologue – collaborateur de Soul Bag (le trimestriel européen de référence depuis 1968) – nous partageons l’invention collective d’un blues que le contact de la culture afro-américaine a magnifié. Une différence – de taille – avec le vis-à-vis britannique.